Las Cuatro Estaciones de Vivaldi

Fue uno de los primeros conciertos de Vivaldi, son cuatro conciertos en total, pero unidos en uno solo que representan las cuatro estaciones del año donde describe con detalles musicales los diferentes momentos del año con el detalle de los pizzicatos de los violines representando la lluvia; el frenesí de la orquesta tal como una tormenta, las florituras del violín, también el paso de un campesino ebrio, es decir, una obra muy detallada con el fin de crear esa sensaciones que pueden vivir en los diferentes estaciones del año, transmitiendo, emociones, sensaciones, vivencias etc., en la que cada persona que lo escuchase podría revivir y disfrutar, además también trata de imitar los sonidos de la naturaleza, aunque no es del todo cierto, el solo se encargo de crear la sensación de que así era pero se acercaba a este hecho.
Sin embargo, es importante reconocer que a Vivaldi le gustaba hacer música llena de detalles por la cultura de sus raíces, así que estos cuatro conciertos fueron uno de los que más destacaron, por los detalles, por los movimientos con los que trabajaba, por los instrumentos solistas y por todo el sin fin de sensaciones que tiene el disfrute de cada nota tocada, en especial porque hace volar la imaginación del espectador, también cabe destacar que Vivaldi era un excelente violinista y profesor de violín así que es una inspiración para muchos violinistas que están en el punto de su carrera tocar esta obra es un honor por que fue uno de los primeros pasos a la evolución histórica de la música de la época barroca, para conciertos de violín.
Respecto a los movimientos que caracterizan las obras de este excelente compositor, que constan de tres movimientos que son el movimiento Allegro-andante-allegro. El allegro consta de movimientos rápidos muy movidos que expresan normalmente sentimientos de alegría, como también diversión o viveza según lo que describía o lo que quería describir Vivaldi sin olvidar el sentido del humor claro está, por el contrario del movimiento andante o lento que demuestran apacibilidad, en unos casos tristeza, aunque no todo el tiempo es así también el ensueño de los personajes, sobre todo cuando esta obra pasa al nivel de la actuación.
Por otro lado, uno de los instrumentos más destacados fue el violín, en varias partes de los cuatro conciertos, porque bueno Vivaldi como ya mencione anteriormente era un destacado violinista así que escoge este instrumento para sacar en los solo de violín la cual es capaz de dirigir y extraer los más increíbles efectos para esta y otras obras de la cual destaca este compositor, acotando que está hecho únicamente para el lucimiento de dichos efectos, en otras palabras el violín queda como adorno decorativo, hare un breve recordatorio de que en el concierto de primavera van en tutti y luego haciendo la obra un poco inquieta como una tormenta y luego un pequeño solo de violín.
En fin, esta obra como previamente ya mencioné evoca emociones, sensaciones y vivencias que el espectador podría revivir con su audición, además, crea vivezas,
momentos de alegría y ensueño forzando al espectador a lograr tener una imaginación más amplia. Por último, según Ramón Barce “Su obra está llena de un encanto inmarchitable, y nos produce el efecto de un arte que oscila entre la corte y la naturaleza, entre la gentileza y ligereza del neoclasicismo y el aire luminoso del paisaje italiano”, por lo que a mí respecta cada concierto tiene lo suyo, cada uno se identifica con cada época del año y es un concierto que se disfruta mucho y transporta sensaciones muy apasionadas y provoca tener esas cuatro estaciones en nuestro país.
En resumidas cuentas, es satisfactorio sentarte a escuchar esta obra y tratar de analizar nota por nota, claro está que este compositor dio un gran giro en su época con estos movimientos clásicos que creó y que se sigue usando en conciertos y creando los conciertos de solistas, con todos sus detalles transmitiendo lo que él sentía y en fin, de su época barroco tardío fue algo muy sensacional que aun sigue gustándole a los espectadores como lo describe cada pieza con mucha cautela amante de los detalles queda muy claro que el quiere representar los sonidos de la naturaleza el glamur de su época dándole a cada instrumento personalidad para cada descripción en lo que a mi respecta me gusta más de todos los conciertos la parte de verano por que es intranquilo muy alegre y movido y hace que sienta una euforia emocional que hace que este animada.

Vida y Obra de Pedro Eustache

Nació el 18 de Agosto de 1959 en Caracas, hijo de haitianos. A la edad de cuatro años ya tocaba la flauta dulce y a los 7 años el cuatro, luego ingresó al sistema de orquestas -creado por el maestro Abreu- y en los conservatorios del país, siendo un alumno admirado por sus compañeros de clase y docentes

Desde muy pequeño tuvo una gran formación musical, y se abrieron las puertas para formarse como un gran músico no solo aquí en Venezuela sino en todas partes del mundo. Después de culminar sus estudios en Venezuela viajó a Europa y se graduó como especialista en técnicas contemporáneas y música académica en dos conservatorios de París. Hizo estudios especiales en Suiza con el maestro James Newton, además de que el “Duduk Armenio” con el maestro Djian Gasparian; y hace especializaciones con música de flauta en todas las culturas del mundo y estilos musicales como Jazz y música electrónica.


Desde joven, Pedro Eustache demostró que tenía un talento innato para los instrumentos de viento madera, pero su gran instrumento predilecto con el que se ha ganado el corazón, la admiración y el respeto de tantas personas ha sido la flauta travesera. Ha desarrollado con facilidad una gran cantidad de técnicas con este instrumento y las ha perfeccionado de tal manera que lo hacen el “Padre” de la flauta, esto lo lleva a escribir música para flauta usando frullatos, Whistle Tones, ruidos de llaves, vibratos, ruidos de aire, trinos, Glissando y música electrónica que son técnicas contemporáneas que sirven para darle otro timbre a la flauta y poder crear su propio “feeling” que es tan bello e inconfundible, así como lo describen Carin Levine & Christina Mitropoulos-Bott en su libro: “La Flauta Posibilidades técnicas”.


Por lo tanto, con su increíble forma de tocar es llamado para tocar en las mejores orquestas del mundo. Aquí en Venezuela tocó con la Sinfonietta de Caracas y la Orquestas de L’Accademia Santa Cecilia de Roma. Fue el solista en un evento majestuoso “Concierto de George” de su maestro Ravi Shankar. Actualmente es el solista principal de vientos de Yanni.




Además ha sido contratado para tocar y grabar películas con grandes músicos y estrellas de cine como solista. Sus más grandes éxitos en películas fueron: Munich (Stephen Spielberg), Blood Diamond (James Newton Haward), Hulk (Danny Elfman), Piratas 3 (Hans Zimmer), La Pasión de Cristo (Mel Gibson), Kunfu Panda (), entre otras. Participó en conciertos y grabó con músicos como Shakira, Don Henley, La Perla Googoosh y el dínamo latino Alex Acuña, la banda India-global (Arohi), y así como con el grupo Persa-experimental (Lian Ensemble), entre otros.


A pesar de que nuestro querido músico es un hombre muy feliz por todos sus logros, hace años sufrió una dolorosa experiencia de vida en la cual su hija de tres años de edad murió por un tumor cerebral. Esta tragedia le cambió la vida a él y a su esposa por completo. Pedro iba a renunciar a sus dotes de músico y pensó en montar una agencia de carros: pero su esposa lo animó a seguir adelante y a poner todo en manos de Nuestro Creador. En ese momento Pedro se convirtió en un hombre de oración y espiritual agradecido con todos y con Dios.


La ida de este gran músico entregado a Dios lo hace digno de merecer el cielo y es un gran ejemplo a seguir. En momentos de adversidad dejar todo en manos de Dios que él nos va a guiar en nuestra vida así como hizo de Pedro Eustache un gran músico y le dio el don de ejecutar más de quinientos instrumentos de viento madera de todas las culturas del mundo; de grabar películas, canciones y de dar conciertos con los mejores actores y músicos a nivel internacional; de tocar en las mejores orquestas y filarmónicas del mundo y de formarse en las más prestigiosas escuelas de Música y conservatorios del país y en el extranjero.

La Influencia Literaria en la Valkiria de Wagner

Wagner, hacia 1848, había idealizado personajes que trasmitieran una fuerza ingenua, para romper con las tradiciones, restaurar la paz y el amor, en un mundo lleno de odio y conflictos. Deseó marcar una diferencia con su historia, acompañado de una música dramática. Elaboró una gran obra, su famosa Tetralogía: El anillo de Nibelungos, reflejando la imperfección y decadencia, en el que forman parte, criaturas mitológicas, tales como enanos en el subsuelo, gigantes en la tierra y dioses en los cielos. Todos ellos con un solo propósito en la vida: la satisfacción de los deseos, obtención de grandes riquezas y poder, despreciando el amor. Esta composición posee un prólogo con tres jornadas dramáticas.

La valkiria es la segunda jornada de El anillo de Nibelungos. Es un drama el cual gira en torno a una  protagonista heroica, Brunilda, la valquiria, hija del dios Wotan. En este segundo movimiento se desarrollan conflictos de la obra, exponiendo al público, la sensación de peligro y angustia. Se desenvuelve de la siguiente forma: 

Las valkirias se encuentran reunidas en una colina, sienten la amenaza en el aire, Wotan está lleno de ira. 

Brunilda, aparece cabalgando, pero no con el guerrero caído, por el contrario se presenta con una mujer, Siglinda, una fugitiva de Wotan. Brunilda la ayuda a escapar y, a su vez, proteger al niño que crece en su vientre. 

La valkiria se enfrenta al furioso dios, recibiendo, como consecuencia, la pérdida de su inmortalidad, además, es condenada a dormir profundamente, custodiada por peligros inimaginables, hasta el día de la llegada un hombre, quien no posee miedo, y la convirtiera en su esposa, dicho hombre sería Sigfrido, el hijo de Siglinda.

Wagner había idealizado a un nuevo héroe, de carácter inocente, que rompiera las costumbres históricas, sociales y religiosas. (Della Corte, A. y Pannain, G, 1965)

La valkiria, igualmente a toda la obra, demuestra el alto conocimiento de Richard Wagner sobre la mitología nórdica, germánica y, leyendas antiguas de su región. Posee una habilidad para destacar, los episodios más expresivos, formando una arquitectura compleja y gigantesca. Además supera con intuición, la redacción literaria y dificultades líricas. El contenido literario logró terminarse como un trabajo asiduo. Al observar la estructura, sobresalen los personajes: 

Wotan,  el dios de origen germánico siendo, a su vez, el Odín nórdico.

 Brunilda y, sus hermanas valkirias, hijas de Wotan, seres inmortales, cuyo propósito es rescatar a los guerreros caídos en batalla e incluirlos en el Walhalla, el cual se creía, era un salón majestuoso, que reunía a los guerreros muertos en el castillo de Asgard, hogar de las valkirias, al servicio de Wotan.

 El drama verbal quedó realizado musicalmente, extendió el sentimiento romántico y, alcanzó grandes proporciones en la construcción de números de conjunto.

Según Repolles, J. (1965, p.  283):

y allí, en el balneario de Albisbrunn, concibió la idea de dedicarse a crear algo magistral, plenamente convencional de que su obra artística sobrepasaría los límites de lo humano <<y resultaría incapaz de ser interpretada ni entendida>>. Fue así como nació el desarrollo completo del anillo de los Nibelungos.

En conclusión, la Tetralogía posee una importancia la cual resalta, en el mundo. Hoy día, luego del surgimiento de otros compositores como Strauss (cuya orquestación supera la de Wagner), Mahler y Bruckner; Wagner marcó una diferencia: la combinación de sus textos dramáticos y fantasiosos junto a la música persuasiva y cautivadora, logrando sumergir al espectador en un viaje que resulta emocionante, siendo imposible escapar al mundo real.  "A partir del estreno de la Tetralogía de El anillo de los Nibelungos, la música de Wagner ha conquistado al mundo de manera incontrastable” Repolles, J. (1965, p. 266). La obra oscila en una atmosfera de patriotismo, por ello, el músico se dirige al mundo, en la más patente expresión verbal.

Referencias

Repolles, J. (1965) Gigantes de la música (edición especial 1978). Barcelona: Editorial Bruguera, S.A.

Della Corte, A. y Pannain (1965) Historia de la música volumen III (2º edición). Barcelona: Editorial Labor, S.A.

Etapas musicales de Beethoven

Beethoven es reconocido como uno de los más grandes compositores de la historia, además es mencionado como parte de <<Las Tres Grandes Bes>> (junto con Bach y Brahms). También es el responsable de la transformación del Clasicismo musical del siglo XVIII al Romanticismo del siglo XIX.Según Lord, M. & Snelson, J. (2008, p. 50): “Marco el final del periodo clásico e impulso la música hacia el Romanticismo del siglo XIX, personificando los trastornos políticos y filosóficos que acompañaron el cambio de siglo y el arquetipo del genio musical”. 

Además consta de tres periodos, la primera: llamada su “Periodo de Formación”, que por cierto están muy influidas por las sonatas para violín y piano de Mozart, también de Neefe y Sterkel, representan una de sus principales influencias en su juventud. Por otra parte dos de sus sonatas para piano, La Patética y Claro de Luna son innovaciones notorias en el lenguaje de la sonata pianística; Igualmente su primera Sinfonía es de esta época. Asimismo sus composiciones ya son abundantes y empiezan a vislumbrar la presencia de una energía física y moral que no tarda en modificar las normas de la música en aquella época.

A continuación, el segundo periodo: llamado “La Madurez”, sufre de una fuerte crisis derivada de su sordera y las contrariedades sentimentales y físicas actuarían como catalizador de su arte, encima la inmensa energía que el genio en sus obras irreflexiblemente ya aplicaba y alumbraban el drama de la grandeza heroica de Beethoven; Por otro lado, reformó la estructura clásica de la sinfonía, la sustituir el minueto por el Scherzo, que otorgaba mayor libertad creativa a los compositores.

Según Los Estudios de la British Medical Journal (2011)

Han encontrado una curiosa relación con la evolución de su sordera y sus estilos musicales. Beethoven comenzó a tener problemas para escuchar los tonos más agudos y paralelamente, se observa como la música que compuso en el periodo medio, es mucho más prolija en notas bajas y medias. Beethoven componía música usando las notas que él mismo podía escuchar. (S. Pag) 

Después su último periodo es el más complejo: llamado “Etapa Final”, esto es debido en parte a sus altibajos emocionales y a su avanzada sordera, ya su música era más serena como en su juventud aunque se caracteriza por su profunda carga intelectual, sus innovaciones formales y su intensidad, expresión sumamente personal; A pesar de esta intensificación de las miserias de la vida, el espíritu de Beethoven se empieza a liberar de eso.

Lord, M. & Snelson, J. (2008, p. 50)  afirman que además de Beethoven, las únicas dos figuras individuales que han provocado un impacto tan profundo y continuado en la historia de la música occidental son Richard Wagner e Igor Stravinsky…

Para finalizar agrego que su arte ha transcendido a un nivel superior, en una esfera donde su agonía ya agotada y su sufrimiento apaciguado, su espíritu por fin logra liberarse de ellas.

Referencias

Lord, M. & Snelson J. (2008) Historia De La Música Desde La Antigüedad Hasta Nuestros Días. España: H.F. ullmann

Biografías y Vidas, ludwig van beethoven su música (2004-12) disponible en URL: http://www.biografiasyvidas.com/monografia/beethoven/musica.htm [consulta 28 de Julio de 2012]

Beethoven cambio su estilo musical al quedarse sordo (10/01/12) Muy Interesante. Disponible en URL: http://www.muyinteresante.es/beethoven-cambio-su-estilo-musical-al-quedarse-sordo [consulta 24 de Junio de 2012]